Mois : octobre 2021

Enola Holmes, Harry Bradbeer (2020)

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Enola Holmes est la benjamine de la fratrie Holmes (ah ah ah, oui, j’ai fait exprès). Ses frères Mycroft et Sherlock sont nettement plus âgés qu’elle, plus célèbres aussi, et ne sont pas venus la voir depuis des années, agissant un peu comme si elle n’existait pas. Explication probable : ce sont des mecs, des vrais, eux, et ils ne s’occupent que de choses sérieuses, ce qu’une petite sœur n’est définitivement pas. Enola a été éduquée par Eudora, la mère des trois enfants Holmes, une sorte de Mary Shelley en bonne santé, moitié punk survitaminée moitié experte en jujutsu ; un esprit libre, sans doute trop pour son époque, et pour tout dire un brin explosif. Un jour, Eudora disparaît sans laisser de traces. Mycroft décide de placer l’envahissante gamine au pensionnat spécial filles dures à marier et Sherlock laisse faire. Sauf qu’Enola n’ira pas au pensionnat, elle va s’enfuir, se lancer sur les traces de sa mère pour comprendre pourquoi celle-ci a disparu.

Enola Holmes est typiquement le genre de films que je ne regarde jamais, sans doute de peur d’attraper le diabète, une des rares afflictions qui m’a été épargné. C’est du young adult, avec une romance adolescente et en arrière-fond un festival d’anachronismes sociétaux qui donnent envie d’écouter du Basil Poledouris à fond. L’Histoire rebondit un peu comme une tête humaine tranchée lancée du haut des cent mille marches du plus grand escalier sacrificiel de ce merveilleux peuple qu’étaient les Aztèques. Disons que parfois c’est gros, très gros, comme les anachronismes déjà cités. Après, voilà, c’est mignon, du pur londonkawai, une comédie enlevée sur la famille Holmes, pleine de trouvailles de réalisation, trouvailles qui évoquent Jean-Pierre Jeunet et Tim Burton. C’est léger, donc, et complètement dans l’air du temps, avec une Noire en surpoids qui enseigne les arts martiaux à Londres à la fin du XIXe, un acteur d’origine indienne (vu dans Utopia) qui joue Lestrade, j’en passe des colorés et des biens mûres. C’est complètement, totalement, diversifié mon ami, une vraie boîte de quality street, caries et hyperglycémie garanties. Tous les quotas ont été respectés, à part pour les homosexuels, mais c’est un film jeunesse, faut pas déconner non plus.

Le tout est d’un féminisme épais, assez sirupeux, trouvé-je, qui conviendra parfaitement à Shanice, votre nièce de onze ans qui vous regarde d’un œil mauvais quand vous lui expliquez que « non, Guenièvre n’était probablement pas d’origine africaine et n’a pas grandi à Soho en écoutant Sade à la radio ».

Après, si on laisse de côté toutes les considérations quotas / diversités / politically correct (ça va être très dur pour certains), on passe plutôt un bon moment. J’avoue que j’ai été surpris pas Henry Cavill dans le rôle de Sherlock, très surpris : je l’ai trouvé très bien.

Au-delà de l’âge de onze ans c’est un film dur à apprécier, mais en faisant un petit effort on peut y arriver (on a tous nos petits problèmes, moi je ne peux pas résister à un truc où il y a Holmes dans le titre).

The Cotton Club, Francis Ford Coppola (1984)

~ Thomas Day ~ Laisser un commentaire
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Harlem. 1928.

Michael « Dixie » Dwyer (Richard Gere) sauve la vie de Dutch Schultz (James Remar), dit le Dutchman, un truand colérique et ambitieux qui tient tout le racket du quartier. Dixie est un musicien doué, le premier musicien blanc admis à jouer au Cotton Club, et Dutch le prend sous son aile, puis ne tarde pas à le payer pour qu’il s’occupe de sa très jeune maîtresse, Vera Cicero (Diane Lane). Évidemment, les deux jeunes gens couchent ensemble alors qu’ils sont conscients, l’un comme l’autre, d’appartenir à un truand psychopathe. Leur histoire ne peut que mal finir.

J’ai toujours beaucoup aimé ce film de Francis Ford Coppola qui connut un échec économique sanglant. Coppola, qu’on n’attendait pas forcément sur ce terrain en 1984, semble faire son Cabaret, en troquant le Berlin de 1931 par le Harlem de la période 1928-1930. Moitié film de gangsters, moitié comédie musicale, coupé en son mitan par la crise de 29, The Cotton Club se présente avant tout comme une galerie de personnages hallucinante, on y croise Lucky Luciano, Charlie Chaplin, Duke Ellington, Cab Calloway, etc. Le casting laisse pantois : Nicolas Cage (dans le rôle du frère de Dixie), Bob Hoskins (en patron du Cotton Club), Laurence Fishburne en chef de bande, Gregory Hines en danseur de claquettes évidemment. Si les numéros musicaux sont globalement très réussis, le film souffre d’un défaut qui paraîtra majeur à certains : il s’éparpille, son côté kaléidoscopique lui nuit. Et la dramaturgie du triangle amoureux Vera / Dixie / Dutch n’entre jamais vraiment en incandescence, même quand arrive la scène-clé vers laquelle évidemment tout le film converge. Étrangement, mais sans doute faut-il y voir une composante importante de son projet, Coppola développe des personnages très secondaires comme Sol Weinstein l’homme de main du Dutchman ou Frenchie, le consigliere du Cotton club (incarné par un Fred Gwynne absolument remarquable).

C’est un film très historique (il parlera davantage à ceux qui connaissent bien la période), une œuvre qui parle du racisme de façon claire, mais étonnamment subtile, c’est aussi un film qui parle de la domination masculine et notamment de la domination « financière » de façon brutale et en même temps adroite, précise. Deux personnages féminins soulignent le propos. Vera n’a pas vingt ans quand finit le film, ce qui veut sans doute dire qu’elle a commencé à fréquenter Dutch vers quinze ans. Elle précise à un moment qu’elle se débrouille toute seule depuis qu’elle a treize ans et que sa malédiction est d’être née en ayant l’air d’avoir dix-huit ans (derrière la boutade se dessine le fardeau d’être devenue une femme formée avant même d’avoir quitté l’enfance). La danseuse et chanteuse Lila, elle, est métisse, moitié noire moitié blanche, mais sa peau est si claire qu’elle en profite pour avoir une vie de blanche, ce que lui reproche son amant Noir qui ne peut pas entrer dans les mêmes établissements qu’elle. Pour réussir à Broadway, ou au Cotton Club, Lila ne voit pas d’autre solution que de refuser le mariage à l’homme qu’elle aime, car elle sait pertinemment que si elle ne semble plus « disponible » elle ne pourra plus monter aucun échelon. La marchandisation du corps féminin à Harlem en 1928 n’est pas un vain mot ; toutes celles qui s’en sortent, s’en sortent en se vendant d’une façon ou d’une autre.

The Cotton Club est un beau film, plein de morceaux de bravoure, au fil duquel s’alternent meurtres d’une violence époustouflante et numéros musicaux parfaitement orchestrés. Toutefois, force est de constater que Francis Ford Coppola n’a pas l’inventivité de Bob Fosse pour filmer lesdits numéros musicaux et que les scènes de violence marquent sans doute davantage, notamment celle du lustre (je ne spoile pas) qui a traumatisé bien des spectateurs.

Même s’il a le cul entre deux chaises, celle de la comédie musicale, celle du film de gangsters, The Cotton Club vaut qu’on lui donne sa chance, c’est un beau film intelligent, ample, auquel a manqué une colonne vertébrale plus solide. Il montre à la fois ce que l’homme a de pire en lui, mais aussi ce que l’homme a de plus beau en lui. Et en faisant gagner la plume contre l’épée, ou la musique contre la violence si vous préférez, Coppola ne manque pas de courage. La dernière scène, poétique, lumineuse, est à mon humble avis purement et simplement magnifique.

The Cell, Tarsem Singh (2000)

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Dans un complexe de recherches scientifiques à la pointe de la pointe de l’exploration virtuelle de l’esprit humain, Catharine Deane (Jennifer Lopez) s’introduit dans la pensée rémanente de ses patients dans le coma pour essayer de les aider à en sortir. La procédure est complexe (il y a un hôte et un invité), dangereuse et d’un très haut degré technique. Frustrante, cette technologie encore expérimentale ne donne pas de résultats immédiats, mais elle reste prometteuse pour certains patients dans un coma profond.

Carl Stargher (Vincent D’Onofrio, dans ce qui restera à jamais une de ses plus grandes performances d’acteur) est un tueur en série particulièrement perturbé. Il emprisonne des femmes dans une cellule, les noies lentement puis les transforme en poupée avant d’assouvir ses fantasmes sexuels avec leurs cadavres. Le FBI est sur ses traces, et comme Carl possède un berger allemand albinos, le FBI se rapproche. Pour finalement le trouver plongé dans le coma à la suite d’une attaque. De fait, Carl est dans l’incapacité de fournir la location de sa dernière victime, potentiellement toujours en vie, mais Catharine pourra peut-être aider le FBI.

J’ai vu ce film au cinéma quand il est sorti (il faut dire qu’à l’époque on n’avait pas beaucoup de films de ce genre, mêlant thriller et science-fiction à se mettre sous la dent et donc je n’en ratais aucun). J’ai le souvenir qu’il ne m’avait pas beaucoup plu à l’époque. Avec le recul, je pense que j’étais passé complètement à côté de ses enjeux qui sont beaucoup plus spirituels qu’on pourrait le croire de prime abord. Le sauvetage de la victime est en fait très secondaire et intéresse nettement moins le réalisateur que la maladie de Carl, ses origines, ses symptômes, sa dimension esthétique. The Cell regorge d’images religieuses, de visions mystiques, certaines d’ailleurs ne sont pas du tout expliquées (le diable se cache dans les détails et j’ai remarqué sans doute moins de choses que je n’en ai laissé passer). The Cell regorge aussi de visions absolument renversantes, comme la scène que je surnommerai pour le plaisir « le roi sur son trône ». D’Onofrio est bluffant ; Jennifer Lopez, par contre, n’a pas la palette d’une Jodie Foster dans le rôle de Clarice Starling, Vince Vaughn manque un peu de métier (ce qu’une coiffure ridicule n’arrange pas), mais bon ne boudons pas notre plaisir, car malgré des scènes parfois un peu molles, The Cell est épisodiquement sidérant. Il joue aussi avec beaucoup de codes du film de serial killer, faisant de la guérison (ou à défaut du diagnostic) un enjeu plus important que celui de la punition.

Vraiment intéressant ; il ne plaira pas à tout le monde, certaines de ses scènes d’horreur pure sont vraiment perturbantes, mais je le conseille.

PS : Je l’ai vu en blu-ray dans l’édition qui vient tout juste de paraître et que j’avais pré-commandée de longue date. Je ne sais pas si ça vient de mon blu-ray, de mon « pressage », mais j’ai trouvé le son catastrophiquement faiblard. D’habitude, c’est le genre de détails techniques auxquels je m’intéresse guère, mais là ça m’a quand même interpellé, puisque j’ai dû régler deux fois le son de la télé avant de trouver le volume sonore idéal pour préserver les dialogues sans se laisser complètement assourdir par la musique.